Картины — Врубель, Михаил Александрович

Описани е картины Михаила Врубеля: Демон сидящий.


Все картины М. Врубеля созданы в таинственной и сказочной атмосфере. В особенности его Демоны…
В 1891 г. М. Врубель нарисовал 30 иллюстраций к новому юбилейному изданию сочинений русского поэта М.Ю. Лермонтова. Большая часть иллюстраций посвящены поэме Лермонтова «Демон». Первый эскиз картины под названием «Демон сидящий» был нарисован в 1890 г., он хранится там же, где и оригинал — в Государственной Третьяковской галерее. А сама картина была написана в Москве в доме С. Мамонтова.
Сюжет этой картины был создан Врубелем после того, как он прочел «Демона» Лермонтова. После того, как он написал эту картину, художник писал такие слова о своей работе: «Демон является не столько злобным духом, сколько страдающим и скорбным, но вместе с тем властным и величавым».
Во все времена демон представлял образ силы духа человека, его внутреннюю борьбу и сомнения. Картина демона представляет сидящего печального демона, который трагически сцепил руки. Его глаза очень печальны, они смотрят вдаль, они окружены невидимыми цветами. Демон сидит один посреди гор, его окутывает алый закат. Смотря на эту картину, создается ощущение, что художник изловил одного из своих Демонов и посадил в раму.
Картина написана в индивидуальном стиле характерном для этого художника, в котором присутствуют эффекты кристаллических граней, поэтому эта картина больше похожа на панно или витраж. Такой эффект художник смог достичь благодаря использованию плоских мазков мастихином.
«Демон сидящий» самый известный из Демонов Врубеля. В 1899 г. Он написал картину «Демон летящий», на которой он изобразил Демона в образе владыки мира. А с 1901 по 1902 годы М. Врубель заканчивал его последнюю работу – «Демон поверженный», в которой Демон находился на грани смерти.
Неужели, Демоны изображенные художником забрали жизнь самого Врубеля? Это лишь предположение, но посмотрев на эти картины внимательно, вы поймете, что загадочнее их нет во всем мире.

Описани е картины Михаила Врубеля: Катанья. Сицилия.


Картина создана в 1894 году маслом на дереве. Стиль в живописи – реализм. Жанр – городской пейзаж. Врубель стал для нашей страны одним из тех, чье творческое наследие стало культурным наследием России. Он мастерски и в полной мере владел графическими материалами.
Его картины упоминали великие русские деятели литературы. Но Врубель занял свою достойную творческую нишу не только в истории России, но и на мировом уровне. Врубель создал огромный цикл картин на демоническую тему. Но сам он был человеком тихим, низкого роста, со светлыми волосами. Ничего злого в его характере и внешнем виде не было.
Художник всю жизнь стремился к совершённому владению кистью. С годами он находил новые приемы, которые не были до него известны ни кому. Колорит его полотен поражает. Он писал не только сюжеты, связанные с нашей страной, но и полотна с пейзажами других государств. Особое влияние на него оказывала Италия и итальянцы.
Картина «Катанья. Сицилия» была создана именно под этим влиянием. На ней художник изобразил лодки в бухте. На острове Сицилия рядом с вулканом Этна располагается большой город Катания. Этот курорт, где десятилетиями люди могли проводить время на пляжах, путешествовать в море на лодках и кораблях. Врубель изобразил на своем полотне лодки, которые спустили паруса и стоят на отдыхе. Но совсем скоро они снова отправятся в путь по морской глади.
Работа выполнена с использованием смешения коричневых, белых, серых оттенков. Врубель не использовал привычный синий цвет для изображения моря и неба. Это делает его работу индивидуальной. Но, не смотря на использование не обычных оттенков, картина выглядит вполне реалистичной и глубокой, что доказывает еще раз мастерство художника.
Полотно находится на хранении в Государственной Третьяковской галерее.

Описани е картины Михаила Врубеля: Царевна Волхова.


Созданная художником еще в 1898 году работа по мотивам известной оперы по сегодняшний день зачаровывает множество зрителей. В центре композиции Врубель размешает образ молодой красавицы, печально сложившей руки и устремляющий переполненный тоской взгляд за пределы холста.
Вдохновением для этой картины послужила работа российского композитора и близкого друга художника Римского-Корсак ова под названием «Садко». Главную роль в этой опере исполнила любимая жена Врубеля, актриса Н. И. Забелла-Врубель.
В молодой и прекрасной царевне Волхве, действительно можно разглядеть черты жены Врубеля, как и во многих других его творениях. У царевны прекрасные длинные волосы, золотистого оттенка, надета на ней белая полотняная рубаха, а голову украшает корона из самоцветов и жемчуга. Художник решил в качестве сюжета изобразить момент, когда царевна опускается в воду. Эта печальная история подчеркивается всеми деталями картины.
Цвета, в которых выполнена картина, символизирует печаль и тоску Волхвы. Все эти элементы контрастируют с красотой ее одеяния и украшений. Луна тихонько выглядывает из кроны темных деревьев. Ее желто-золотисты й оттенки сливаются с прекрасным цветом волос Волхвы и элементами ее одежды.
Темные оттенки воды и деревьев, словно передают сырость, мрак и забвение морского дна. Они как будто бы отражают минорные аккорды и тему этого печального события. Задумчивый взгляд царевны переполнен тоской по любимому Садко.
Словно царевна изнемогает от ожидания любимого. Положение кистей ее рук, рассказывает зрителю о тревогах и переживаниях юной девушки. Кажется, она вот-вот сделает шаг вперед, в бескрайние водяные глубины и навсегда останется на дне.

Описани е скульптуры Михаила Врубеля: Весна


Первые попытки Врубеля сотворить произведение в сфере майолики начались еще в начале 1890-х годов. Связаны они были с местной керамической мастерской, принадлежавшей меценату С.И. Мамонтову.
Первые попытки художника были настолько успешны, что вскоре ему удалось возглавить мастерскую. Самым значим периодом в творчестве художника стала вторая половина 1890-х годов. Творец начинает плотно сотрудничать с известным технологом Ваулиным, и открывает для себя технику изготовления восстановительн ой глазури.
Параллельно с керамикой художник начинает увлекаться театральными произведениями и знакомиться с известной оперной исполнительнице й – Н. И. Забелой. Спустя некоторое время она становиться его женой. Художник начинает плотнее общаться с композитором Римским-Корсако вым и работает над его оперными произведениями. Все это наталкивает художника на произведение композиций в русском народном жанре – Лель, весна-красна, Снегурочка, Садко и другие.
Художник начинает работу над серией маленький майоликовых скульптурок, под образами российских сказочных персонажей из произведений Римского-Корсак ово. Благодаря снизошедшему вдохновению художник уже в 1900 году получает золотую награду на всемирной парижской выставке, за экземпляры из Абрамцевской мастерской.
Очень сильно судьям понравилась нежная и трепетная весна. В чертах лица сказочного персонажа угадывается лицо его любимой жены — Надежды. Весна, как в русских сказках, изображена в виде молодой, привлекательной и жизнерадостной женщины.
Благодаря огромным возможностям майолики художник изобразил плавные очертания и форма, а также игру цветовых бликов. Все это помогло создать поистине сказочный облик (и даже не один) сказочной красавицы весны.

Описани е картины Михаила Врубеля: Голова Демона.


В год, когда Врубель переехал в Москву, он познакомился с известным в то время литератором Кончаловский, который работал над изданием сочинений Лермонтова. Он заказал у художника несколько иллюстраций к произведениям поэта – в том числе и «Демону».
Все иллюстрации к поэме (хотя, если судить по богатству палитры, это были, скорее, полноценные картины) выполнялись черной акварелью и отличались смысловой завершенностью.
Особенно тщательно Врубель работал над «Головой демона», ведь картине отводилась важная роль – быть заглавной. Современников привлекала необычная трактовка художником главного героя поэмы, который, как это видно из изображения, отнюдь не был скорбящим и страдающим.
Напротив, Демон полон энергии мысли, он готов снова и снова вопрошать, стремится найти решение извечных вопросов. Лицо как бы жжется изнутри пламенем – это видно по глазам и губам Демона. Последние особенно приковывают внимание зрителя.
Другой особенностью изображения главного героя является соединение в нем Врубелем женских и мужских черт, что только должно подчеркивать универсальность , архетипичность образа. Также отметим, что фон, на котором помещено лицо Демона, чем-то напоминает полотна другого художника-симво листа – Климта.
Вряд ли стоит удивляться, что герой поэмы Лермонтова так заинтересовал художника, который подсознательно переносил на себя некоторые черты Демона – его поиска решений вечных загадок бытия, носящих метафизический характер. К сожалению, современные критики не поняли иллюстраций Врубеля.
Художника обвиняли в грубости и уродливости линий, в том, что замысел Лермонтова остался для него абсолютно непонятным. Сейчас же стало общим местом признавать картины, изображающие Демона (к ним относится и данное полотно), к вершине творчества Врубеля.

Описани е картины Михаила Врубеля: Пророк.


Михаил Врубель впервые обратился к поэзии А.С.Пушкина в своем творчестве в 1896 г., когда искал свежий сюжет для панно на Нижегородской ярмарке. Особенно заинтересовало художника стихотворение «Пророк», однако, в то время замысел так и не осуществился. Остался только набросок.
Образ Пророка стал неотъемлемой частью врубелевских фантазий, которые под воздействием тяжелой болезни, сопровождаемой галлюцинациями, рисовали метаморфозные сюжеты.
Картина «Пророк», созревшая и родившаяся в 1898 г. объединяет два канона композиции. Этот прием на практике был использован первый раз и потом часто применялся автором в своих работах.
Интересно, что Врубель изначально писал «Пророка» в полный рост. Позже сам художник, по известным лишь ему причинам, отрезал нижнюю часть произведения и оставил целой верхнюю. Нижняя половина зажила собственной жизнью. Она стала фоном к произведению «Дама в лиловом».
В. Д. Милиоти часто вспоминал о странности Врубеля. Он писал, что наблюдал в мастерской художника множество картин, композиция которых была на обороте разрезана посередине.
Позже были многочисленные интерпретации первого «Пророка» на тему стихотворения А.С. Пушкина. Черты лика Серафима в них плавно перетекают в знакомое лицо жены художника. Сам Пророк стал практически автопортретным изображением автора.
Все настолько перепуталось в больном сознании Врубеля, что в последние годы своей жизни он был просто не в состоянии отличать фантазии от реальности. Маниакальный психоз заставлял его работать с каждым днем больше и больше. Смерть художник принял, как очищение в 1910 г.

Описани е картины Михаила Врубеля: Испания.


Манера Врубеля писать картины уже знакома всему миру, и никто не спутает его авторство. Он работал ярко, много ёмко. Бывало, что уже готовую работу переделывал набело, что крайне удивляло его родных и его друзей. И не всегда переделка была лучше первого варианта. Это была одна из черт его сумасшествия – всё сделать идеально красиво.
Это полотно не подверглось тотальной переделки. И потому наверно оказалось одно из самых интересных полотен художника. Правда, переплюнуть по популярности «Демона», она не смогла. Но зато автору именно в ней удалось рассказать об Испании, используя лишь двойной портрет с пейзажем. А на полотне действительно двое – мужчина и женщина.
Но сколько истинно испанской страсти на их лицах. Особенно на лице испанца. Эти сумасшедшие ревнивые броские глаза обжигают своей страстью. Зато испанка спокойна, но это до поры до времени. Та же страсть пока притаилась где-то в глубине души, но стоит её задеть, как она выйдет из укрытия и мы увидим какова страстная испанка в гневе.
Фламенко говорят танец души Испании.
Наверно это так, ибо никто так хорошо и отлично не может танцевать фламенко, как сами испанцы. Это действительно страсть, ритм, темп, отточенность движений и полная отдача танцу. Испания такова и художник сумел и это передать. Между этими двумя – страсть, они танцуют внутри себя свою партию фламенко. Но проиграть друг другу они никогда не смогут. В них чувствуется независимость друг от друга, но при этом именно эта страсть их сближает.
Это полотно помогло нарисовать Врубелю его сумасшествие. Оно тоже одно время выражалось через страсть и манию величия, через буйство и меланхолию. Рисуя это полотно, художник ещё как-то боролся с недугом, но силы не равные были и он проиграл. А само полотно от этого только выиграло.

Описани е картины Михаила Врубеля: Маргарита.


Врубель таинственный художник и прежде всего благодаря тому, что он всегда был за гранью разума. Его ум не выдержал перенагрузок и стал действовать иначе. И вот именно поэтому сквозь туман сознания, у художника возникали необыкновенные красивые образы.
Он часто рисовал Демонов, обращаясь к поэзии Лермонтова и Пушкина. Он однажды вдруг на холсте изобразил Маргариту. Ту самую, что встречалась с Демоном. На полотне родилась красавица с красивым классическим образом, но фоном при этом служит русский пейзаж и потрясающие цветы в ногах у неё. Получился фантастически красивый облик фаустовской Маргариты, в которую было невозможно не влюбиться ни Фаусту, ни Демону. Так появилось два соперника.
Врубель действительно создал потрясающий женский образ. У него ранее таких образов просто не получалось и он долгое время практически никому и не показывал готовое полотно. А когда всё же рискнул показать, то получил массу одобрений. Но это уже был период в его жизни, когда его почти признали.
Правда, это признание ему уже ничего не давало, он потихоньку скатывался в своё безумие. Можно сказать, что это его последняя работа, в которой он проявил всю свою фантазию и всё своё умение, пока ещё разум был в состоянии воспринимать ощущения мира и пока ещё руки держали кисточки и мелки.
Несмотря на то, что с художником случилось несчастье, его полотна всё больше и больше заинтересовывал и публику. И вот уже когда была создана первая большая выставка его полотен, то народу было очень много, доходило даже до неприятных инцидентов. Просто всем хотелось попасть в Третьяковскую галерею и посмотреть его творения.
Самого автора естественно на выставке не было, он уже тогда лежал в больнице, подлечивал нервы. Но что удивительно, если первое время врачи запрещали ему рисовать, то вскоре этот запрет был снят, и именно рисование приводило его сознание в более-менее нормальное состояние.

Описани е картины Михаила Врубеля: Венеция.


Михаил Врубель известный русский художник, большое внимание уделявший не только написанию красот своей родины, но и пытавшийся донести до русского зрителя всю прелесть увиденной им заграницы.
Между 1891 и 1894 годами художник путешествует по Европе, посещает Венецию, Париж, Милан, Рим, Афины, бывает в Испании. Главная цель путешествия – повидать мир и получить вдохновение на создание новых сюжетов, которых увидеть удалось в большом количестве, идеи так и сыпались, художнику оставалось только воплощать их в жизнь. Так, после посещения Венеции и возвращения в Россию, Врубель пишет декоративное панно с одноименным названием и дарит его дому Дункеров в столице.
На полотне, написанном в духе Ренессанса, изображена Венеция во всей ее красе, в разгар большого Венецианского фестиваля – одного из старейших фестивалей мира. В центре картины две разодетые по случаю праздника женщины, за их спинами улица, полная гудящей толпы и старинные здания, среди которых хорошо заметен краешек Дворца Доджей и мост Вздохов. Боковую часть панно занимает патриций, он вглядывается в своего соседа напротив, по всей видимости ведется тихий разговор, рождаются и раскрываются тайны.
При написании полотна художник использовал фотографии, считая, что в этом нет ничего противоестестве нного, поскольку фотографии тех мест, где никогда не удастся побывать, либо фото мест, воспоминания о которых слабы для художника могут стать незаменимым помощником в его работе.
Картина, в общем-то, мрачная и понять, насколько события на ней изображенные — достоверны нельзя, поскольку карнавал, как считают сами итальянцы, не подвержен такому понятию, как время, что означает вполне вероятную возможность встречи художника со своими героями лично в одну из его поездок по городу утопающему в праздничном карнавальном шествии.

Описани е картины Михаила Врубеля: Шестикрылый серафим.


Полотно «Шестикрылый серафим» Михаилом Врубелем было написано в 1904 году. Произведение искусства было создано художником в больнице В.П. Сербского при университете. Работа написана на холсте масляными красками. Данное творение известно под именем «Азраил», кроме того полотно называют «Ангел с мечом и кадилом».
Будто огнем воспылал венец на голове у изображенного Шестикрылого серафима, сеянием своим, пробиваясь сквозь непроглядную тьму. Драгоценным блеском камней отбывают свет сильные крылья. Облик его пронизан холодом и суровостью. Лицо обрамляют темные волосы. Его шея вытянутая и прямая. Серафим взирает пронзительным ледяным взглядом широко открытых огромных глаз. Руки его возведенные к верху.
В одной руке у него кадило с горящим пламенем, а в другой, увитой змеей, он удерживает меч. Всем своим видом серафим напоминает о небесном мире, откуда он спустился. Он как ангел смерти, напоминающий, что ничто не вечно в этом земном мире. Его взгляд говорит о скором приближении расплаты.
Картина схожа с бредовым сном, где то и дело появляются вспышки то красного, то синего и зеленого огня. Холодные краски звеняще извещают о близком конце.
Произведение искусства является иллюстрацией к стиху А.С. Пушкина «Пророк». Ранее Врубель уже писал картину, опираясь на творчество Пушкина. После этого тематика Пророка стала для художника проводной.
Врубель работал над полотном уже, будучи больным. При этом у него хватило сил вложить душу и тайный смысл в каждый мазок. Это после последнее большое полотно кисти художника.
Общий стиль исполнения полотна напоминает древнее фрески. В произведении искусства сплелись воедино мазки имеющие вид яркого витража. Кажется, будто картина собрана из тысяч частиц разноцветной мозаики. Одновременно она холодная, отталкивающая и завораживающая, наделенная глубокими переживаниями автора.

Описани е картины Михаила Врубеля: Ангел с кадилом и свечой.


Работа «Ангел с кадилом и свечой» была выполнена Врубелем, когда он находился под Киевом. Он в тот момент занимался акварельной росписью Владимирского собора. Глядя на холст становится понятно, как именно продвигалось написание данной картины.
Изначально сама композиция была задумана еще до того, как в его руках появился инструмент для ее написания. Характерной чертой и отличием Врубеля являлся тот момент, что он единственный из известных живописцев пользовался доклеиванием полос необходимой длины. Это было необходимо для того что, замысел не выдерживал никаких рамок и границ, и сколько требовала композиция места, столько она в итоге и получила.
Стиль при написании ангела называется академизм. При этом Врубеля не очень сильно жаловали в то время, когда он занимался росписью Владимирского собора. Это обусловлено тем, что среди заказчиков, так и не нашлось почитателей именно Врубельского направления живописи, в которой преобладают монументальные и декоративные формы. Между тем, Врубель никогда не был иконописцем, и не стремился к этому, он более был отнесен к стенописи.
Как утверждали свидетели написания этой картины, не смотря на то, что она была достаточно объемна, как в принципе и большинство его работ, никогда не разбивались на части, а выполнялись полностью и заполняли все пространство. Врубель умел подчинять себе пространство и это отражается в его работе. Из-за выразительности силуэта ангела, можно с уверенностью сказать, что работа имеет черты монументального произведения. Также об этом свидетельствует лаконизм форм, не имеющий ничего личного и обобщенности всей композиции.
Это произведение можно с уверенностью отнести к раннему Возрождению Италии, чем к русским или византийским образам.

Описани е картины Михаила Врубеля: Автопортрет.


Автопортрет – наиболее интересный жанр, так как каждый художник несколько отступает от свойственных ему черт творчества при написании самого себя. К тому же, нередко реальная внешность художника разительно может отличаться от автопортретной. Но в этом случае образ самого себя художником передан удивительно точно и необычно.
На автопортрете Врубеля мы видим мужчину средних лет. Он одет в костюм, вид у него аристократичный . Мужчина выглядит статно и солидно, на вид ему около 40-45 лет. Он не похож на чиновника, не похож на священнослужите ля. Его внешний вид неким незримым образом выдает творческую натуру. Под пиджаком у Врубеля белая рубашка с высоким воротником, на месте галстука пестрый шейный платок.
У художника тонкие, аккуратные черты лица, он худощав. Голова немного приподнята, художник смотрит на зрителя свысока. Однако, в его взгляде невозможно прочесть высокомерие. Он смотрит с грустью.
На лице у художника аккуратные усы и небольшая борода. Волосы старательно зачесаны назад. Волосы художника с явной проседью, вокруг глаз уловимы морщины.
Портрет нарисован в черно-белой карандашной гамме. Лицо прорисовано очень четко с мельчайшими подробностями, реалистичность портрета сравнима с фотоизображение м. А фон картины и одежда самого художника изображены размашистыми, свойственными для Врубеля небрежными, нечеткими линиями.
Таким образом, он лишний раз подчеркнул отсутствие особой значимости в этих деталях, однако, без них автопортрет не был бы законченным. В конечном итоге мы наблюдаем картину, которая не первый взгляд выглядит лишь наброском, неким шаржем, сделанным карандашом за небольшой промежуток времени. Однако, вглядываясь в портрет, перед нами все отчетливее и отчетливее проступает совершенство деталей и тот огромный труд, который был вложен художником в этот портрет.

Описани е картины Михаила Врубеля: Жемчужина.


Картина «Жемчужина» написана Михаилом Врубелем в 1904 году и выставлена в Третьяковской галерее города Москвы.
Считается, что вдохновил на написание картины Врубеля подарок Волошина – очень красивая крупная морская раковина, изнутри покрытая сверкающим перламутром. Раковина напомнила художнику о море, нарисовала в его воображении морские пейзажи, запахи и звуки. Врубель загорелся желанием перенести красоту и сияние перламутра на полотно, но это оказалось не так просто. При каждом повороте руки раковина меняет свой цвет. А при перемене освещения играет совсем по-другому.
Живописец приходит к выводу, что планы раковины можно передать различными переходами оттенков белого и черного. Врубель делает множество набросков раковины углем и карандашом, прежде чем взяться за кисть. Раковину, написанную красками, он решает не оставлять в черно-белом варианте. Художник использует сложнейшие переливы лилового, зеленого, голубого и розового цветов. Раковина выглядит такой натуральной, что кажется, будто при повороте головы она будет изменять свой цвет. Спираль жемчужины устремляет взгляды к центру
Врубель изображает раковину намного больше натуральных размеров, и она напоминает ему морской терем с загадочными обитателями. Тогда художник вписывает в картину морских царевен. Царевны изображены внизу полотна и дают всей конструкции твердую опору. Фигуры не слишком удались Врубелю, их позы чересчур горделивы и величественны. Сам художник был очень недоволен недостойными своего дивного жилища царевнами.
Картину Врубель пишет уже на исходе жизни, это одно из последних его творений, поэтому он работает над ней долго, прорисовывая детали вновь и вновь. Он ищет в ней саму природу, легкость и теплоту, волшебство. Современники с восторгом принимают творение, выставленное в 1905 году на выставке Союза художников.

Описани е картины Михаила Врубеля: Тамара и Демон.


Картина «Тамара и Демон» – это не что иное, как одна из иллюстраций к поэме Лермонтова «Демон», написанная Михаилом Врубелем в 1890-91-х годах.
Вся композиция картины была создана при помощи только черной акварели и белил на светло-коричнев ой бумаге.
Декорации композиции – это расписанные ковры и кровать, а на самой картине изображена лежащая девушка с длинными черными волосами, заплетенными в косы – Тамара, пытающаяся закрыть хрупкими руками свое лицо. На ней надето платье и закрывающий голову белый платок. В это время Демон, сидящий рядом, пытается заглянуть в ее глаза. Волосы демона очень темные, длинные и волнистые, а черты лица очень строгие, особенно ярко выраженные глаза.
Используя только черную краску и белила, художник смог создать произведение, обладающее красочностью картины, написанной целой палитрой цветов. Она притягивает к себе внимание и заставляет рассматривать во всех подробностях каждую свою деталь. Картина обладает той самой законченностью, которая так часто заставляет восторгаться наблюдателя.
По словам художника, люди часто не понимают сущности Демона, отождествляя его со знакомыми понятиями «дьявол» и «черт». Но в переводе «дьявол» означает «клеветник», а «черт» – «рогатый». А переводом для слова «демон» является «душа». Таким образом, демон – это олицетворение нескончаемой борьбы духа человека, который мучится множеством сомнений и бушующих страстей.
После этой работы и других иллюстраций к произведению Лермонтова художник некоторое время предпочитал не возвращаться к теме «Демона», но со временем эта тема стала для него основной. И впоследствии Врубель создал множество картин и эскизов с подобными сюжетами, которые поражают и завораживают. Взяв в основу уже известные идеи, он писал картины, отражая в них и свои взгляды, и добавляя в каждую нечто совершенно необыкновенное. Именно поэтому работы этого человека считаются достоянием русской культуры.

Описани е картины Михаила Врубеля: Демон летящий.


Если внимательно изучить всю биографию и творческий путь Врубеля, то с уверенностью можно сказать, что его работы пропитаны атмосферой таинственности, фантазии и завуалированной необычности. Особое значение в работах он придавал теме Демонов. Ведь он начал работать в этом духе еще в 1891 году, когда по предложению М.Ю.Лермонтова он проработал несколько иллюстрации к его одноименной поэме «Демон». Всего было создано около тридцати работ.
Самым первым и вполне удачным появился «Демон сидящий» в 1890. Сегодня данная работа хранится в Третьяковской галерее, собственно и там находится оригинал. Но создавался этот шедевр в доме купца С.Мамонтова.
Интересно, что вдохновение к художнику пришло не сразу, а только после прочтения самой поэмы. Поэтому, после создания образа, который ему представлялся, он решил охарактеризоват ь своего героя ни как злобного и непокорного существа, а как страдающего и путающегося в своих силах создание. А люди издревле всего считали, что демоны – это отрицательные персонажи, которые мешали человеку проявить свою силу и волю. Изображенный персонаж, который сидит и при этом задумчиво рассуждает о своей жизни, видит, что ничего нельзя изменить. Оттого его взгляд грустен и печален, и приходиться смиряться с обстановкой окружающего мира. Взгляд его грустен и печален, и видно, что он окружен цветами.
Вокруг демона сгущаются краски, суживаются рамки. Поэтому есть чувство загнанности и скованности в своих действиях. Алый закат в некотором роде символизируют надежду, которая еще не утрачена зря. Если внимательно присмотреться, то можно заметить, что картина выполнена в каком-то не совсем обычном формате.
Художник использовал свои особые приемы, которые помогли создать впечатление панно или витража. У картины есть и приемники, которые символизируют деятельность и таинственность тих существ.

Описани е картины Михаила Врубеля: Богатырь.


Первоначально картина называлась «Илья Муромец», написана М.А. Врубелем невероятно быстро, в течение пары недель, практически без предварительных эскизов и набросков. По форме картина была обычным традиционным прямоугольником . Заостренную сверху в виде огромного, тяжелого треугольного копья форму, она получила позже. В целом в картине нашли отражения самые монументальные и смелые замыслы художника.
Писать своего «Богатыря» Врубель начал с головы лошади, для которой искал нужный ракурс поворота. Настоящая русская ломовая под стать своему седоку, то ли под его грузом просела и копытами ушла в землю, то ли она вырастает из недр матушки-земли, питаясь ее силами, воплощая ее мощь. Где-то далеко внизу, не дотягиваясь до колен, растут сосны и ели, темным фоном, причудливо изгибаясь, виднеется на втором плане заколдованный лес.
Огромной глыбой, словно массивная великан-гора, очерчена фигура русского богатыря, составляющая единое целое с телом коня и далее – с лесами, полями, землей и небом. Традиционная для русских богатырей одежда, узнаваемая нами, органично смотрится в сочетании красок, тонов, линий общего фона картины. В облике богатырском органично сконцентрирован а сила и мощь земли и народа, исполненные величавого спокойствия и мудрости.
Черты лица не выписаны под конкретного героя одной из былин, имеют общие, обобщенные очертания, носят скорее символический, нежели индивидуальный характер. Картина в целом поражает титанической фантастичностью , чудовищной мощью и монументальност ью. Гиперболичность выражена в самом подходе к воплощению богатырского начала, в одухотворенност и природы и народного творческого духа. Сам автор назвал свое произведение музыкой цельного человека, которая звучит гимном родине.

Описани е картины Михаила Врубеля: Царевна-Лебедь.


Эта картина в данное время размещена в Третьяковской галерее. Для ее написания был использован сценический образ героини оперы Римского-Корсак ова «Сказка о царе Салтане» поставленная сюжету сказки Пушкина с одноименным названием. Врубель выполнил для премьеры оперы 1900 г. эскизы для декорации и костюмов, а партию Царевны-Лебеди спела жена художника.
Самое яркое «театральное» творение Врубеля согласно мнению исследователей – это костюмы и декорации к постановке оперы «Сказка о царе Салтане» Римского-Корсак ова, премьера сказки прошла в 1900 г. на сцене Частной оперы. Это помогло художнику стать более известным.
Под впечатлением оперы он начинает писать картину «Царевна-Лебедь », которая явилась сценическим портретом Надежды Забелы-Врубель. Но полотно изображает не саму певицу, а загадочный образ Царевны, который был навеян ее лирическим и душевным пением.
Как вспоминают современники, и голос и внешний вид певицы подходили под те сказочные и фантастические образы, которые она должна была воплощать на сцене: ее голос нельзя было ни с чем сравнить, он был ровный, легкий, нежный и наполненный красками или, сменяющимися переливами какой-то из красок, он был очень выразительным, и вместе с тем спокойным.. А ее облик заставлял только восхищаться! Ее широко расставленные глаза, пленительная и в то же время наивная улыбка, тонкое и изящное тело.
Картина была написана художником на хуторе Ге около станции Плиски в Черниговской губернии в лето 1900. Врубель изобразил жену на фоне созданных им декораций к «Сказке о царе Салтане», в костюме, который он сам сочинил для спектакля. Но сценический образ в картине стал сказочным.
В момент, когда лебедь перевоплощается в нежную и таинственную красавицу-царев ну время словно застыло, а свет заката преобразил реальность, и она стала зыбкая и многозначительн ая. А большие глаза Царевны-Лебедя сверкают как драгоценные камни кокошника, обилие и тяжесть которых делают лишь более выразительным ее хрупкий образ.
У Врубеля был редкий дар видеть музыку цвета. Как говорила его жена, перламутровые оттенки, колорит которых был использован в «Царевне-Лебеде » и других картинах художника, Врубель смог найти в теме мор в музыке Римского-Корсак ова.